domingo, 3 de mayo de 2009
Marina Abramovic
Os pongo este video llamado "Relation in time". Es la muestra de cómo un simple video, en tan solo un par de minutos puede desesperarnos hasta llegar a apartar la vista.
ARTE Y PERCEPCIÓN VISUAL de Rudolf Arnheim
En este libro podeis encontrar información muy interesante como por ejemplo: la orientación en el espacio, ¿por qué dibujan así los niños?, el dibujo como movimiento, la pintura sin luces, cómo se producen los colores, la interacción del color, el simbolismo en el arte...
Creo que es uno de los libros más completos y de los que más me han ayudado para realizar el blog. Gracias a este libro he aprendido muchas cosas básicas que no sabía y cosas curiosas que hacen que quieras investigar más por tu cuenta.
Os lo recomiendo!!!
INTRODUCCIÓN A LA TEORÍA DE LA IMAGEN de Justo Villafañe
Este libro intenta establecer los fundamentos básicos de lo que puede ser una metodología en el estudio de la imagen, utilizando para ello categorías específicamente icónicas y atendiendo fundamentalmente a los dos procesos generales inherentes a la naturaleza de la imagen: la percepción y la representación. El primero de ellos por ser el responsable de todas las operaciónes de selección de la realidad que implica la imagen y el segundo como manifestación icónica de dicha selección.
Introducción a la teoría de la imagen es un libro que fragmenta la composición de la imagen en muchos conceptos para una mayor comprensión de una manera esquemática y muy sencilla.
Me ha ayudado mucho a conocer más a fondo la composición y sobre todo el proceso de percepción de la imagen.
EL LENGUAJE VISUAL de María Acaso
Este libro pretende dar una versión clara de cuáles son las herramientas empleadas en la creación de una representación visual y de los diferentes tipos de representaciónes que se crean mediante dichas herramientas.El último capítulo acaba con un análisis para poder llegar a comprender una imagen con mayor facilidad y conocimiento.
No solo me ha servido para realizar el blog, sino para mi día a día, ha hecho que me interese más no solo en el ámbito del arte sino también en el de la publicidad y el diseño.
Creo que es un libro que "engancha", muy sencillo y a la vez muy útil.
DONALD JUDD
Donald Judd (1928 - 1994), artista estadounidense. Su obra se basa en el espacio y la realidad. Judd comenzó a trabajar como pintor, pero su trabajo evolucionó a objetos independientes en tres dimensiones, sobre suelo o pared que usan formas sencillas, a menudo repetidas, que a su vez exploran el espacio y el uso del espacio en que se encuentran.
Es frecuente el encontrar a Judd incluido en el grupo minimalista de artistas, pero él mismo se opuso a aceptar el término como identificativo de su obra.
sábado, 2 de mayo de 2009
PRUDENCIO IRAZABAL
Prudencio Irazabal (Puentelarrá, Álava, 1954) expone regularmente en Estados Unidos y Europa, y su obra se encuentra en destacados museos y colecciones de ambos lados del Atlántico. Desde los 80, Prudencio Irazabal ha centrado su trabajo en la pintura, el color y la luz, y en la investigación de sus respectivos componentes. Sus obras hablan sobre la pintura en sí misma y se caracterizan por la sutileza en la gradación del color, aplicado en numerosas e imperceptibles capas de veladura para crear manchas indefinidas, sin forma, con resultados profundos, intensos y espirituales. Su obras han sido definidas en ocasiones como un reto para el ojo humano, por su extrema transparencia y luminosidad y lo inapreciable de las pinceladas y de la superposición de colores en un mismo punto.
La intención de Irazabal no es otra que forzar al espectador a modificar la percepción de los colores de sus pinturas, obligándole a mirarlas a partir de la presencia del pigmento blanco titanio puro que vela y al mismo tiempo realza los colores próximos en la tela. Al mismo tiempo, los “toques de luz” confieren a las pinturas del artista vasco volumen y complejidad espacial.
KATHERINA GROSSE
Katharina Grosse (Alemania, 1961) vive y trabaja entre Düsseldorf y Berlín. Su técnica consiste en traspasar tanto el umbral del graffiti como cualquier impedimento de superficie, logrando crear superficies de pintura expandida. Gracias al uso de pistolas de pintura y una amplia gama cromática consigue transformar suelos, paredes, techos y todo aquello que se le ponga por delante en obras de gran fuerza y llenas de libertad estilística.
El expresionismo abstracto
El Expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello fue directamente financiado por la CIA en el contexto de la Guerra Fría.
Tiene sus raíces en el surrealismo , el movimiento más importante del periodo preguerra.
En este nuevo estilo, también denominado “informalismo”, un grupo de artistas llamados “pintores de la materia”, intentaron establecer una variante del collage. Mediante mezclas de arena, yeso y otros materiales, consiguieron dotar de una rugosidad tridimensional (propia de la escultura) a una tela plana.
Este polémico estilo fue fundado por Jackson Pollock y Willem de Kooning. Para referirse a él se usa también los términos Action Painting (Pintura de Acción), acuñado por el crítico Harold Rosemberg, y American Type Painting (Pintura de tipo americano), utilizado por Clement Greenberg, para distinguirla de la pintura europea.
El grupo lo forman otros artistas como Mark Rothko, Baziotes, Gorky, Gottlieb, Guston, Louise Nevelson, Hofmann, Kline, Motherwell, Newman, Jackson Pollock, Pousette- Dart, Reinhardt, y Still.
Otro grupo de artistas relacionados con el expresionismo abstracto son los denominados “tachistas” (de tache, mancha). Ellos creían en el poder surgido de las manchas. Se dieron cuenta que con manchas y pastas nuevas era posible representar la textura de la materia. Un ejemplo de este tipo de arte es la pintura gestual del artista francés Michaux.
La escultura abstracta
A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoalemán es uno de los máximos exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas conocida como escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.
Otro de los escultores que se fija en la abstracción es Naum Gabo Pevsner, con obras como “Columna desarrollada” o “La columna de la paz”, dónde cuatro ángeles desean materializar el espacio. El artista español Eduardo Chillida fue otro de ellos. Representante de la abstracción plena, Chillida abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir bloques enormes de hierro en los que parece haber representado el punto de unión entre la arquitectura y la escultura.
Si pinchais en la imagen superior podreis tener más información de Eduardo Chillida.
La pintura abstracta
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática. El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
Arte abstracto
El arte abstracto es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y cuyo propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.
viernes, 1 de mayo de 2009
Tipos de sistemas de representación de la textura
Podemos encontrar tres tipos de texturas:
- TEXTURA REAL: la información de la representación visual que percibimos a través de la vista coincide con la información que percibimos a través del tacto.
- TEXTURA SIMULADA O VISUAL: lo que percibimos a través de la vista y lo que percibimos a través del tacto, no coinciden. Es decir, la textura no tiene ninguna cualidad táctil real, tan sólo tiene cualidades ópticas.
- TEXTURA FICTICIA: consiste en el tipo de textura que por definición engaña al receptor y le hace creer que el producto visual es de una calidad, cuando realmente es de otra.
La información de la textura, la he sacado del libro de María Acaso, "El lenguaje visual".
Tipos de textura
Podemos encontrar dos tipos de textura:
- LA TEXTURA DEL SOPORTE: que dependiendo del soporte que utilicemos, la textura varía. Además podemos encontrar papeles con diferentes texturas.
- LA TEXTURA DE LOS MATERIALES QUE UTILICEMOS SOBRE EL SOPORTE: a los que también llamamos materiales de carga. Éstos pueden ser desde arenas como por ejemplo polvo de mármol, hasta trozos de madera, vidrio o incluso plástico.
Por ejemplo, un artista que emplea mucho material de carga en sus obras es Kiefer:
La textura
La textura es la materia de la que está construido un producto visual, así como la representación visual de cualquier materia.
miércoles, 29 de abril de 2009
Cantidad de luz
En una composición podemos elegir la cantidad de luz y dependiendo de ésta daremos diferentes signigicados a nuestra obra. Podemos elegir entre:
- CLAVES ALTAS: son propias de la imagen con mucha cantidad de luz. Transmiten seguridad debido a un efecto psicológico, es decir, cuando vemos bien nos sentimos seguros. nos transmite alegría.
- CLAVES BAJAS: propias de la imagen con poca cantidad de luz. Podemos relacionarlas con el mal, el temor o incluso la muerte.
Tipo de fuente
Podemos encontrar dos tipos de fuentes lumínicas: 
- LUZ NATURAL: producida por los rayos solares y las velas, quinqués y otras fuentes de llama. Se relaciona con la naturaleza y el exterior, además los diferentes momentos de desarrollo de la luz solar producen connotaciónes específicas en el espectador.
- LUZ ARTIFICIAL: producida por dispositivos eléctricos como focos o neones. Se relaciona con lo interior y lo urbano.
La iluminación
La iluminación tiene dos tipos de significados:
- La iluminación que elige el autor para el contenido intrínseco del propio objeto, y que se utiliza en las representaciónes bidimensionales, tanto estática como en movimiento.
- El tipo de luz que se utiliza para iluminar un objeto desde el exterior, como ocurre en los productos tridimensionales.
Ésta información la he sacado del libro de María Acaso, "El lenguaje visual".
martes, 28 de abril de 2009
El ritmo en la composición
El ritmo como elemento dinámico, sólo se puede percibir intelectualmente; por tanto, es lícito afirmar que se trata de una abstracción. La mayoría de las veces se confunde este elemento con sus efectos. En este sentido, la naturaleza del ritmo y la tensión se encuentran ligadas, a la experiencia del espectador.
...el ritmo es al tiempo lo que la simetría al espacio
Como he dicho anteriormente, el ritmo sólo existe en la medida que pueda ser percibido y conceptualizado, y la conceptualización es evidente que requiere estructuras que posibiliten el reconocimiento. La percepción del ritmo nace de la propia percepción de su estructura y de su repetición.
En el ritmo podemos encontrar dos componentes:
- PERIODICIDAD: que implica la repetición de elementos o de grupos idénticos de éstos.
- ESTRUCTURACIÓN: que es muy variable y puede incluir desde la repetición de grupos de elementos a lo que se denomina ritmo libre.
Al crear ritmos, se puede dar preferencia o bien al juego de las repeticiónes, o bien al de la composición de estructuras.
Cualquier elemento plástico es capaz de crear relaciónes rítmicas dentro de una composición espacial fija, aunque aquellos elementos, como el color, que poseen al mismo tiempo propiedades intensivas y cualitativas, son solo los más indicados para cumplir esta función.
EL RITMO MODULAR:
Se llama módulo a un pequeño conjunto de formas que crean entre sí unidades visuales compuestas. Cada módulo ofrece en sí mismo unas características específicas y propias cuya repetición se puede realizar con respecto a un eje de simetría dividiendo el espacio en partes iguales y opuestas.
Parte de ésta información la he sacado del libro "Introducción a la teoría de la imagen" de Justo Villafañe.
El encuadre en la composición
El encuadre es el enfoque, la selección de lo que vamos a representar. Los límites del soporte tienen que ser proporcionales a los límites del encuadre.
Todos los medios de expresión gráfico-plásticos tienen un aspecto en común: el encuadre.
El dibujo, como manifestación plástica, tiene que seleccionar lo más significativo, dado que no puede recoger por eterno el espacio real. Por lo tanto, en lugar de ser un condicionante, actúa como factor creativo.
Podemos apreciar dos criterios fundamentales en el estudio del encuadre:
Todos los medios de expresión gráfico-plásticos tienen un aspecto en común: el encuadre.
El dibujo, como manifestación plástica, tiene que seleccionar lo más significativo, dado que no puede recoger por eterno el espacio real. Por lo tanto, en lugar de ser un condicionante, actúa como factor creativo.
Podemos apreciar dos criterios fundamentales en el estudio del encuadre:
- EL TAMAÑO Y EL FORMATO: son el espacio que ocupan los objetos y cómo lo hacen.
- EL PUNTO DE VISTA: dependiendo de él, el modo de representación del espacio cambia.
La sección áurea
La sección áurea es la proporción ideal. Es la forma más sencilla de relación de un cuerpo con sus componentes.
No solo es una proporción que a la vista quede equilibrada en el arte, sino que también se aplica a la naturaleza y al ser humano.
Ésta surge cuando un segmento está dividido en dos partes de forma que en una de ellas es la media proporcional entre el todo y la parte restante.
En todas las manifestaciónes del arte gráfico y visual la proporción entre los elementos que configuran una imagen es esencial. Con frecuencia se ha utilizado la proporción áurea de forma consciente, pero son muchos los casos en que surge de forma espontánea.
Si pulsais AQUÍ podréis ver varios vídeos sobre la sección áurea que creo que son muy interesantes.
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